AHI revient sur son interprétation de «Try» devant Blue Rodeo et sur le lien créatif qu’il a noué au CSHF

Je pensais que Jim serait au premier rang, mais il était derrière [l’autre intronisé] Tom Cochrane. Quand je suis entré sur scène, je ne l’ai pas vu; je n’ai vu que Tom. Une fois que j’ai réalisé qu’il était juste derrière Tom, il a hoché la tête, comme pour dire : “Bon travail.” Ensuite, on a discuté et passé du temps ensemble. On a fait une interview avec le groupe. C’était le point culminant pour moi, le fait qu’ils aient apprécié. Dans son discours — j’étais derrière la scène, c’était difficile d’entendre — mais il a dit : “Je vais peut-être devoir changer ma façon de chanter cette chanson maintenant.” C’est le plus beau compliment possible.

Avez-vous eu des opportunités intéressantes après votre performance au Canadian Songwriters Hall of Fame et vos rencontres en coulisses avec les autres artistes ?

Je pense qu’une grande partie de ce qui est ressorti était : « Comment ai-je pu ne jamais entendre parler de ce gars-là ? » C’est un peu l’histoire de ma carrière. Les gens disent : « Sérieusement, tu es Canadien ? Comment se fait-il qu’on ne t’ait jamais entendu ? » Mais j’ai aussi reçu quelques propositions de collaborations. Ma connexion préférée a été avec Tenille Townes. Pendant les répétitions, on se tenait côte à côte. Ils nous ont mis sur le même côté pour la chanson finale où tout le monde chantait ensemble; nous partagions le même micro. Je suis un grand fan d’elle. Quand elle a sorti Jersey on the Wall et Somebody’s Daughter, je me suis dit que ce sont parmi les meilleures chansons que j’ai entendues dans l’écriture canadienne.

Elle traverse une période de transition dans sa carrière, et nous avons coécrit ensemble. Je sais qu’elle n’était pas la plus grande artiste là-bas, mais ce sont ces connexions qui comptent parce que nous sommes la prochaine génération. Je ne sais pas si nous serons au Hall of Fame un jour, mais si c’est le cas, cela remontera à ce moment. Si nous écrivons une chanson qui devient importante, ce sera grâce au Canadian Songwriters Hall of Fame, où nous nous sommes rencontrés. Nous avons écrit une chanson ensemble, et nous nous sommes dit : « Mon Dieu, excusez mon langage, cette chanson est incroyable. »

Deux artistes canadiens qui ne s’étaient jamais rencontrés auparavant, venant apparemment de mondes et de genres différents — elle fait du country, et moi du folk — c’était incroyable. D’autres personnes m’ont aussi proposé de faire des spectacles. Ce n’est pas encore devenu complètement fou, mais c’est beaucoup de : « Mec, comment se fait-il qu’on ne te connaisse pas encore ? »

Vous en êtes à votre troisième album — et votre quatrième sort en janvier. Vous avez connu du succès dès 2017, avec des récompenses, des performances comme le Tiny Desk de NPR en 2018, et une nomination au Polaris Music Prize en 2022. Cette année-là, vous avez également été l’un des cinq lauréats des SOCAN Foundation Black Canadian Music Awards. En tant qu’artiste noir dans la musique folk, qu’est-ce que ce prix a représenté pour vous ?

Quand j’ai reçu ce prix, pour être honnête, j’ai été surpris. Je ne m’attendais pas à recevoir de récompenses — peut-être un Juno ou deux — mais recevoir le Black Canadian Music Award avait une signification différente. C’était une forme de reconnaissance. Bien que je sois toujours reconnaissant pour tout ce que j’ai accompli, ce genre de reconnaissance est profondément motivant, surtout dans une industrie aussi difficile que la nôtre. Cela donne l’énergie nécessaire pour continuer lorsque les choses deviennent difficiles.

Pour moi, en tant qu’enfant de parents caribéens, personne ne peut me dire que Bob Marley n’est pas folk ou que Redemption Song n’est pas l’une des plus grandes chansons folk jamais écrites. Comme Bob, toutes les chansons que j’ai écrites ont commencé avec ma voix et ma guitare acoustique ; je sais que je fais du folk. Pourtant, j’ai passé ma carrière à me battre contre une industrie qui essaie de me dire que je ne fais ni de la « musique noire » ni de la « musique folk », alors qu’en vérité, je fais les deux — non pas à cause de mon origine ethnique, mais à cause de l’importance culturelle que cela représente.

Créer [mon nouvel album] The Light Behind the Sun avec une équipe entièrement composée de Noirs — producteurs, ingénieurs, tout le monde — est sans précédent. C’est une célébration audacieuse de nous-mêmes et de nos contributions à la musique folk. Mon objectif a toujours été de faire évoluer la musique folk — d’y intégrer les sons globaux qui m’ont façonné, et de m’assurer que la musique folk noire soit respectée, embrassée et entendue. Recevoir ce prix m’a rapproché de cet objectif.

Vous écrivez évidemment en solo, mais dans The Light Behind the Sun, il y a plusieurs coécritures. Appréciez-vous cela ?

Je m’étais vraiment fermé à l’idée de coécrire pendant un moment. Pour mes trois premiers albums, toutes les chansons étaient écrites par moi seul, pour le meilleur ou pour le pire. J’ai eu un certain succès. Mais j’ai tout écrit moi-même, et pour ce prochain album, je me suis dit que je voulais m’ouvrir et dire oui aux autres, au lieu de toujours dire non [rires].

C’est vrai, coécrire ne vous engage à rien. Écrire avec quelqu’un ne signifie pas forcément que vous devez publier la chanson.

Avant mes premiers albums, je coécrivais déjà avec des gens. Les expériences n’étaient pas horribles, mais il n’en est pas sorti grand-chose pour moi. Maintenant, j’ai ouvert cette porte pour travailler avec des auteurs incroyables comme Natalie Hemby, qui a écrit pour Miranda Lambert, ou Ruby Amanfu, une autrice nominée aux Grammy. À ce stade de ma carrière, ces coécritures se sont déroulées avec des gens extrêmement professionnels, avec un parcours impressionnant, et qui sont simplement de bonnes personnes.

Coécrire peut être très vulnérable. C’est un peu comme une thérapie parfois, non ?

Oui, absolument. Vous pouvez voir cela comme un simple travail, entrer, écrire, et sortir. Mais souvent, cela devient une thérapie, surtout quand l’artiste est dans la pièce. Vous partagez ce que vous vivez dans votre vie à ce moment-là. Cela peut être très personnel.

C’est au cœur de qui vous êtes en tant qu’artiste, n’est-ce pas ?

Oh, oui. Vous devez être vulnérable, honnête. Vous pouvez entrer dans une session et raconter certaines des parties les plus traumatisantes de votre vie [rires], et parfois ça ne marche pas. Mais si vous n’exprimez pas quelque chose d’authentique dans votre musique, vous perdez votre temps. Vous devez écrire des choses que personne d’autre ne peut écrire. Sinon, tout le monde pourrait le faire. Il faut écrire des chansons qui comptent, qui sont universelles, mais qui sont aussi profondément personnelles. Cela peut sembler facile de tomber sur une chanson incroyable, mais pour le faire de manière répétée, pour écrire de bonnes chansons encore et encore, ce n’est pas une tâche simple. Vous prenez une idée, un sentiment, et vous le comprimez en une chanson unique. Parfois ça marche, parfois non.